Miroir Vintage à Mur Années 50 Verre Mirroir Décoré Coloré

Les Mois de l'Année

Gravures à l'aquarelle. Série de douze feuilles volantes gravées et coloriées à la main, avec légende et nom du mois concerné en bas, représentant des scènes typiques liées à chaque mois de l'année. Réalisées d'après des dessins de Giuseppe Zocchi (1711 -1767), les gravures de Giovanni Battista Cecchi (1748 -1819) furent imprimées entre 1750 et 1799 par les éditeurs florentins Giacomo Moro et Giuseppe Bardi. La série est en bon état, avec des petites taches d'humidité et des défauts mineurs. Les gravures sont présentées dans des cadres de style.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIIème siècle. portrait d'une noble en riche robe de soirée, avec un manteau d'hermine drapé sur ses épaules, indiquant sa haute lignée. Reliné, le tableau est présenté dans un cadre doré ancien.

Village Triste

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Au dos sur le cadre le titre au crayon. L'artiste siennois Guido Ferroni, après des débuts impressionnistes, arrive à une peinture aux tons intimes, caractérisée par une réduction des gammes chromatiques et une atmosphère de vie quotidienne villageoise calme, liée à la tradition toscane. Le tableau est présenté dans un cadre doré contemporain.

Technique mixte sur papier. Au dos le cachet de l'artiste avec la signature, le titre (non déchiffré) et la date de l'œuvre. Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a aujourd'hui atteint une maturation linguistique définitive et occupe une place importante dans le panorama artistique contemporain. Ses recherches utilisent principalement des matériaux inhabituels tels que les acétates, le PVC et, plus récemment, des fonds de scène d'œuvres théâtrales du XIXe siècle, sur lesquels il intervient en peignant des formes tirées de sa mémoire personnelle et de suggestions provenant de différentes cultures et périodes historiques. Un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni est l'écriture, signe signifiant qui conçoit l'œuvre et est capable de raconter des pensées ; Travaillant par superposition, les images sont construites par addition ou soustraction de couleur sur les différents supports. Travail dans le cadre.

Etude 1992

Technique mixte sur papier. Signé et daté en bas, avec titre. Au dos le cachet de l'artiste avec la signature, le titre et la date de l'œuvre. Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a aujourd'hui atteint une maturation linguistique définitive et occupe une place importante dans le panorama artistique contemporain. Ses recherches utilisent principalement des matériaux inhabituels tels que les acétates, le PVC et, plus récemment, des fonds de scène d'œuvres théâtrales du XIXe siècle, sur lesquels il intervient en peignant des formes tirées de sa mémoire personnelle et de suggestions provenant de différentes cultures et périodes historiques. Un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni est l'écriture, signe signifiant qui conçoit l'œuvre et est capable de raconter des pensées ; Travaillant par superposition, les images sont construites par addition ou soustraction de couleur sur les différents supports. Travail dans le cadre.

Bas-reliefs en bronze doré. Signé en bas à droite ; nombre d'exemplaires 25/150 en bas à gauche. Le triptyque est accompagné d'un certificat d'authenticité du Centre Seledi Arte de Milan. Les titres des trois bas-reliefs figurent dans l'authentification : Fortune, Stallion Fight, The Couple. La sculpture de Francesco Messina, si pleine d'échos de l'héritage classique gréco-romain et hellénistique, "se caractérise", écrit Carlo Carrà, par "un style simple et magnifique" et par un "procédé idéaliste et classique" capable de donner vie aux formes qui restent comme des « images idéales ». Les trois panneaux de bronze sont montés dans un seul cadre.

Vieille Dame 1910

Crayons couleurs sur papier. Signé et daté en bas à droite. Au dos se trouve un cartouche avec le titre et l'étiquette de la Galerie d'art Bolzani de Milan. Antonio Mancini était un peintre réaliste, formé à l'école napolitaine de Morelli et Palizzi puis à Paris. Il se consacre principalement au portrait et aux scènes de genre de goût populaire ou anecdotique, mais si dans une première période il se rapproche du naturalisme du XIXe siècle qui l'amène à représenter des personnages populaires imprégnés de tristesse (ses gamins des rues), dans une période ultérieure il a commencé à expérimenter différentes techniques, en recourant à des éclairs de lumière vifs, placés sur la toile en amas de couleurs violentes et en flux lumineux, allant même jusqu'à l'utilisation de matériaux extra-picturaux, comme le verre coloré, et en proposant des figures agitées, parfois sous des déguisements imaginatifs. , expression de sa forte détresse mentale. Ce dessin, qui appartient à la production ultérieure, présente le visage d'une femme âgée (Ciociara par titre), représentée de profil et entourée de touches de couleur qui créent un halo nuancé et vivant. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain (avec petits défauts).

Amharique (figures éthiopiennes) années 1930

Crayon sur papier. Signature, titre et localisation en bas à droite. Dans la seconde moitié des années 1930, Contardo Barbieri part comme volontaire pour la campagne en Afrique de l'Est. De cette période subsistent quelques œuvres qui proposent des sujets orientaux, comme ces personnages du peuple éthiopien appelés amhariques car originaires d'Amhara, une région du centre-nord de l'Éthiopie où se trouve la ville de Dessié. Dans le cadre.

Peinture à l'huile sur toile. L'identification de la sainte est donnée par la présence de la grande roue en bois, symbole de l'instrument de son martyre. Habituellement, la sainte est représentée avec une couronne sur la tête et vêtue de vêtements royaux pour souligner ses origines princières. Nous avons ici plutôt une représentation atypique d'elle, les cheveux détachés, recouverts uniquement d'un grand manteau rouge (couleur du sang, donc de l'humanité mortelle) qui tombe de ses épaules et l';oblige à couvrir ses seins avec ses mains ; son regard est tourné vers le haut, où le ciel s'ouvre et un ange descend, tenant d'une main la palme du martyre et de l'autre posant une couronne de fleurs sur sa tête, symbole de son mariage mystique avec le Christ. Il s'agit donc d'une représentation qui la voit au moment du passage à la vie éternelle, semblable à une Madeleine pénitente en adoration mystique, qui s'offre au Christ sans aucune reconnaissance humaine. Les choix chromatiques ressortent dans le tableau, qui sur un fond sombre et lugubre font ressortir le rouge du ciel ouvert et du manteau, et la blancheur de la chair, tant de la femme que de l'ange. La toile, déjà restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre travaillé de la fin du XIXème siècle, présentant quelques défauts.

Les Neuf Muses

Tapisserie. Le mot Euterp apparaît en bas à droite. L'énorme jus d'herbe représente les neuf Muses, divinités grecques féminines, toutes sœurs, filles de Zeus et de Mnémosyne, et ayant le dieu Apollon pour guide. Ils représentaient l'idéal suprême de l'Art, compris comme la vérité du « Tout » ou la « magnificence éternelle du divin ». Initialement considérées de manière générique comme des divinités du chant et des danses joyeuses, chargées de mettre en musique et en vers des histoires telles que l'origine du monde, la naissance des dieux et des hommes, les exploits de Zeus, et souvent représentées accompagnées de divers instruments de musique. , à partir de l'époque hellénistique, toutes les expressions chantées et musicales y étaient associées, y compris les expressions tristes et funéraires, ainsi que d'autres arts comme le théâtre, et chacun d'eux était associé à un genre d'art spécifique, afin qu'ils puissent être invoqués individuellement. pour exercer leur inspiration et leur protection. Le mot « Euterp » fait référence au nom de l'un d'eux, Euterpe, muse de la poésie lyrique et de la musique, traditionnellement représentée avec une flûte ; mais le nom Euterpe signifie étymologiquement « Celle qui applaudit » qui apporte la joie, et on peut donc penser que le choix de ce nom pour titrer la tapisserie fait référence à la fonction la plus ancienne des Muses, celles d'apporter la joie à travers l'art. Dans cette présentation, les muses apparaissent dansantes, vêtues de voiles et de branchages fleuris ; dans leurs mains ou placés à côté d'eux apparaissent des instruments ou autres objets symbolisant l'art qu'ils inspirent (masques de théâtre tant tragiques que comiques, palette picturale, instruments de musique divers...). Le grand tableau présente des signes d'usure et des taches d'humidité.

Peinture à l'huile sur toile. École nord-européenne du XVIIIe siècle. La scène allégorique présente une femme légèrement vêtue assise sur les genoux d'un homme, près d'une table dressée avec une cruche, un gobelet, une tabatière et un cigare allumé. Les deux personnages sont dans une attitude de complicité ludique, tous deux décidés à fumer une longue pipe. Le fond offre un paysage verdoyant. Les personnages et objets font référence aux plaisirs matériels et charnels de la vie, fumer, boire, compagnie féminine ; les personnages rosés et rebondis rappellent aussi le plaisir de la bonne chère. Ces sujets étaient récurrents dans la peinture flamande ou plus généralement nordique, qui les proposait de manière ironique et séduisante. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Broderie sur tissu en coton. Japon, période Meiji (1868 -1912). Le grand panneau en tissu de coton brodé offre un sujet naturaliste : des aigles et autres oiseaux sont représentés parmi des montagnes stylisées, des branches de pins et de glycines. La broderie est présentée dans un cadre de style.