Tableau Ancien avec Sujét Sacré Detrémpe sur Panneau '600

Huile sur toile. Dans cette composition, une femme et son enfant, vêtus à l'ancienne et flanqués d'un bœuf, agenouillés sur un terrain escarpé, tendent les bras vers le haut dans un geste de supplication ou peut-être de contemplation. Il pourrait s'agir d'une interprétation de Marie accompagnant l'enfant Jésus pour contempler son destin, le bœuf rappelant la naissance et la vie pastorale simple de la Sainte Famille. Restauré et retouché, le tableau présente quelques traces de décoloration. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole nord-européenne du XVIIIe siècle. Caratacus était un roi celtique de la tribu britannique Catuvellauni et chef de la résistance anti-romaine et célèbre comme combattant de la liberté. Pendant huit ans, il résista à l'invasion romaine de la Grande-Bretagne à partir de 43 après J.-C. Pendant huit ans, il fut l'homme le plus recherché de l'Empire romain, traqué sans relâche, de combat en combat, de forteresse en forteresse, dans les montagnes du Pays de Galles, jusqu'à ce qu'il ne fut pas trahi et remis aux Romains en 51 après JC par Cartimandua, reine des Brigands du Yorkshire, à qui il s'était tourné pour obtenir de l'ide. Vaincu, il fut amené enchaîné à Rome avec toute sa famille : amené devant l'empereur, le roi britannique parla avec une telle sagesse et une telle fierté (avec le discours rapporté par Tacite dans ses Annales) que Claude, frappé par ses paroles, accorda la grâce à lui, à sa femme et à ses frères, leur permettant de passer le reste de leurs jours à Rome. Le tableau présente le moment de la péroration de Caratacus, au centre de la scène enchaîné, plaidant avec ferveur sa cause devant l'empereur : il est assis sur son trône, flanqué de son épouse et entouré de sénateurs et de soldats. Le tableau, restauré et rentoilé à la fin du XIXème siècle, présente de légers dégâts.

Peinture à l'huile sur toile. La scène, en extérieur, au pied d'une pente, montre deux figures féminines affalées sur elles et derrière elles un pèlerin, avec le bâton et les coquillages traditionnels sur son manteau. La femme au premier plan tient un chapelet dans une main et un enfant endormi est allongé sur ses genoux. La scène rappelle un moment de prière douloureuse et contemplative. Le tableau, déjà restauré et rentoilé, présente plusieurs gouttes de couleur et taches. Il est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. École toscane du 17e siècle. Selon la tradition chrétienne, sainte Véronique est la "femme pieuse" qui, voyant la passion de Jésus portant la croix et son visage maculé de sueur et de sang, l'essuya avec un linge, sur lequel restait l'empreinte du visage de Jésus. Véronique apparaît également au centre du tableau, tandis que deux anges sur les côtés tiennent le linge sur lequel est imprimé le visage du Christ, couronné d'épines ; en dessous, un calice recueille symboliquement le sang divin, tandis qu'au-dessus du théta de la sainte plane l'Esprit Saint. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. La composition présente au centre un lièvre suspendu, flanqué de quelques cailles et d'un pigeon ; sur le côté droit, un panier en osier contenant des châtaignes et des branches de pin ; sur le côté gauche une botte d'asperges et un vase de fleurs colorées, dont les couleurs vives et vives créent un contraste chromatique avec les autres éléments, le tout dans des tons marron et gris. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre réutilisé du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. D'une saveur bucolique et sereine, la scène se déroulant dans la campagne en bordure du village que l'on aperçoit sur la gauche, voit une femme et son fils qui, près d'un ruisseau, attendent le berger avec son troupeau avec un panier repas. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIe siècle. Composition Riche avec bassin plein de fleurs panachées, bol de fruits aux pêches, citrouille coupée et chardonneret qui cueille les grains de la grappe de raisin posée sur la table. Elle fait partie de cette vaste production de natures mortes composites qui, au XVIIIe siècle, dépourvues de tout sens allégorique ou symbolique, visaient un but purement décoratif ; il reprend des objets inanimés multiples, composites, vivants, souvent flanqués d'un élément vivant, un animal comme le chardonneret dans cette œuvre, qui maintient le lien avec la vie et le quotidien. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Il s'agit d'une représentation traditionnelle de l'événement de la mort de Jésus sur la Croix, avec sa mère Marie et le disciple bien-aimé au pied de la Croix, contemplant le Christ mourant ; à l'arrière-plan, la ville de Jérusalem. Très essentielle dans sa représentation et statique dans les positions des personnages évangéliques, la scène souligne le drame sur un fond sombre, bien qu'une lumière s'ouvre au-dessus du Christ pour annoncer la participation divine à l'événement. La peinture, qui a déjà été retouchée, présente une légère décoloration.

Huile sur toile. En haut à droite figurent le nom de l'homme représenté et son âge, 78 ans. L'habit de l'homme et l'attitude de prière, devant le Crucifix, le livre de méditation à la main, l'identifient comme prélat. Le patronyme Albertoni est largement répandu en Italie, dans diverses familles qui sont parties de la Lombardie pour s'étendre à Parme puis à Rome. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Détrempe sur Toile. Encadrées dans un cadre peint, sculpté de volutes et doré, sont représentées une mère et sa fille : la jeune femme est langoureusement allongée sur un canapé ottoman, et caresse la petite fille agenouillée à côté d'elle, tenant d'une main un panier à goûter. Au dos il y a une restauration, avec un patch dans la partie centrale. L'œuvre est présentée dans un cadre de style.

Intérieur d'une Écurie, 1889

Huile sur panneau dur. Signé et daté 30-11-1889 en bas à gauche. Delleani, qui peignait initialement principalement des sujets historiques, s'est progressivement rapproché de la peinture de paysages "en plein air", en particulier des lieux de ses origines, les vallées piémontaises, caractérisant ses vues par des vibrations chromatiques et une luminosité chaleureuse. Cependant, au cours des dernières décennies de sa vie, il s'est également laissé impliquer dans le courant orientaliste, mais il est ensuite revenu à ses vues de paysages, créant surtout des panneaux riches en couleurs chaudes et en atmosphères suggestives. Plus rare mais tout aussi évocatrice est sa production d'intérieurs, comme celui d'une écurie, où les personnages animés, les moutons, apparaissent comme des taches de couleur presque indistinctes au sein d'un environnement entièrement joué sur les effets lumineux d'une seule gamme chromatique. Restauré et protégé, le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Huile sur tablette. Signé en bas à droite. Il s'agit de trois petits tableaux proposant des aperçus de paysage, réalisés dans le style naturaliste typique de Lorenzo Gignous : les deux latéraux, mesurant 24 x 30 cm, proposent le sujet le plus récurrent dans la production de l'artiste lombard, à savoir des aperçus du lac Majeur, animés par la pêche bateaux; au centre un paysage plus petit (18 x 25 cm) avec un groupe d'arbres dans la campagne. Les trois petits tableaux sont présentés dans un seul cadre contemporain.