Antikes Gemälde mit Landschaft Öl auf Holzbrett 1930 ca.

Ölgemälde auf Leinwand. Unten links befindet sich eine nicht identifizierte Signatur. Große Komposition aus bunten Blumen, draußen auf kahlen, verlassenen Böden platziert. Die Farben der Blumen sind mit einer gewissen Materialkonsistenz aufgetragen, wodurch sie sich deutlich vom nahezu monochromatischen Hintergrund abheben. Das Gemälde weist in der unteren linken Ecke einige Schmutzspritzer auf. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Figur in Rest 1969

Stift auf Papier. Unten rechts signiert. Mit Foto-Authentifizierung aus dem Mario-Tozzi-Archiv. In der umfangreichen Produktion von Maestro Tozzi gibt es viele Zeichnungen, wie diese hier, die mit verschiedenen Techniken (Tinte, Pastell, Bleistift, Rötel) angefertigt wurden und der menschlichen Figur gewidmet sind: In seinem trockenen und stilisierten Stil skizziert Mario Tozzi stilisierte, raffinierte Umrisse Figuren in ihrer stillen und diskreten Geometrie, begünstigt durch die Abwesenheit von Farbe, die die Formen auf dem weißen Papier hervorhebt. Auch in seiner malerischen Produktion sind Mario Tozzis Lieblingssujets klassischerweise Figuren und Stillleben, aber sowohl Figuren als auch der Tod eine Reihe fester geometrischer Elemente, die Kugel, der Zylinder, der Kegel usw. Die Körper sind elementar, essentiell in den Linien und Details, kraftvoll, statuarisch, bestehend aus nur modellierten Körpern, während die Stillleben eine Hommage an die euklidische Geometrie sind, wie etwa die Krüge, Schüsseln und Flaschen, die Musterbeispiele für Volumen und geometrische Strenge sind. Mario Tozzis Kompositionen sind für bestimmte Schnitte vom Kubismus, für bestimmte architektonische Einfügungen von der Metaphysik und für die Einfügung geometrischer Figuren vom Abstraktismus beeinflusst. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Mischtechnik auf Leinwand. Die große Szene, die in der einzigen Rot-Rosa-Palette gemalt ist, sieht rechts zwei große Figuren, während die gesamte linke Seite von einer Wüstenlandschaft eingenommen wird, wobei die Wellen der Dünen in der Ferne verschwinden. Die beiden Figuren stellen einen sitzenden Ritter mit Turban und Sarazenenkleid dar, der von einem Mädchen in westlicher Kleidung erfrischt wird, das ihm ein mit Essen beladenes Tablett reicht, während sich auf der darunter liegenden Oberfläche ein Becken mit Wasser, Ähren und verschiedene Früchte. Es könnte eine der vielen Darstellungen der Geschichte von Angelica und Medoro sein, erzählt von Ariosto in Orlando Furioso, die von der Liebe zwischen dem christlichen Mädchen und dem in einer Schlacht verwundeten sarazenischen Infanteristen erzählt, die dann gemeinsam nach Cathay flohen. wodurch Orlandos Wahnsinn entfesselt wird. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

In Brianza

Öl auf Leinwand. Unten links befindet sich das DB-Monogramm. Titel- und Galeriestempel auf der Rückseite. Der Blick auf die noch flache Brianza-Landschaft sieht einen Hirten, der seine Kühe auf den Wiesen unmittelbar außerhalb des Dorfes in der Nähe des von Lichtmasten flankierten Feldwegs grasen lässt; zwei nackte und dünne Baumstämme stehen senkrecht, fast parallel, und teilen die Szene in drei Einstellungen. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Sur le Canapé d'Argent pâle 1911

Farblithografie auf Velinpapier. Der Titel unten links. Auf dem Passepartout der Name und der Schriftzug "Originallithographie". Es ist Planche Nr. 10 der Serie „Amour“, die 1899 von dem französischen Künstler geschaffen wurde und von den Liebesgedichten inspiriert ist, die Denis für seine zukünftige Frau Marthe Meurier schrieb. Einige Repliken der ersten Serie wurden hergestellt, darunter die auf Seidenpapier von 1911. Maurice Denis, französischer Maler, wurde künstlerisch geformt im Zusammenhang mit der Geburt der symbolistischen Bewegung, die ihn stark beeinflusste und sich durch seine Einfachheit und seine durchsetzte Philosophie einer Kunst, die eine Synthese zwischen der Außenwelt und der Spiritualität des Künstlers war. In seinen frühesten Werken war der Bildstil naturalistisch und neoimpressionistisch, tendierte jedoch im Laufe der Zeit zu einem reinen Dekorativismus, der durch Flächen mit flächigen Farben und klaren Umrissen gekennzeichnet war. 1888 gründete Maurice Denis an der Julianischen Akademie in Paris mit Paul Sérusier, Pierre Bonnard und Paul Ranson die Malergruppe Nabis (Propheten), eine Gruppe, die sich in ihren ästhetischen Idealen auf die Werke und Poetik von Paul Gauguin stützte. für die Überwindung des impressionistischen Naturalismus durch eine Rückbesinnung auf primitive und japanische Kunst. An den Nabis-Treffen, die meist in der Redaktion der Zeitschrift „Revue Blanche“ oder an der Ranson Academy stattfanden, schätzte Denis besonders das mystische Klima, den esoterischen Jargon und den Spitznamen, den jeder Maler von der Gruppe erhielt: Denis hieß „the Nabi bei den schönen Bildern". Als "Nabi" malte Maurice Denis intime, rätselhafte Bilder und die Themen seiner Malerei, religiöser Natur oder Situationen des täglichen Lebens, wurden in eine ideale und unwirkliche Dimension gebracht, in einer Atmosphäre von warmer und gelassener Intimität, die mit einem extrem erreicht wurde heikles Merkmal. Eine Konstante in seinem Leben war das Bekenntnis zum katholischen Glauben, das für ihn immer eine vorrangige Rolle spielte. Er erhielt zahlreiche Aufträge für die Dekoration von Kirchen und dies veranlasste ihn, zur großen Tradition der Wandmalerei zurückzukehren, indem er feierliche Fresken von monumentaler Struktur aufführte, die von einem literarischen Katholizismus inspiriert waren. Der religiöse Eifer veranlasste Maurice Denis, 1919 die Ateliers d'Art Sacré zu gründen und viel Zeit dem Gebet zu widmen, so sehr, dass er Tertiär von San Domenico wurde, ohne ihn von der Welt zu isolieren, für die er sich engagierte im damaligen gesellschaftlichen Leben. Neben seiner umfangreichen Produktion als Maler war Denis ein großartiger Zeichner und Illustrator. Bis zu seinem Tod malte Maurice Denis weiterhin in einer modernen Interpretation der großen antiken Malerei, unterstützt von seiner starken künstlerischen Ader, die ständig von seinen Reisen angeheizt wurde, viele davon in Italien, die ihn in direkten Kontakt mit den Präraffaeliten brachten und die Neoklassik.

Les Bouches de Naples gemissent de Terreur ou de Plaisir 1969

Tusche auf Papier. Unterschrift, Datum und Titel unten. Mit Authentifizierung auf Foto der Galleria Giò Marconi in Mailand und Stempel aus Privatarchiv. Es ist die Zeichnung des jungen Künstlers, der bald zu einem der wichtigsten Vertreter des Weltsurrealismus wurde, der Dichter und Maler, aber auch Filmemacher, Kunst- und Filmkritiker, Fotograf und humorvoller Designer war. In Nordfrankreich geboren, ließ er sich 1927 in Paris nieder, wo er in Kontakt mit einer Gruppe junger Dichter und Philosophen kam, mit denen er die Bewegung „Grand Jeu“ gründete: Spiel wird als Lebenskunst verstanden. Seit 1928 arbeitet er an Texten, Gedichten und Zeichnungen für die Zeitschrift der Bewegung und arbeitet in der Zwischenzeit als Redakteur und Reporter mit verschiedenen Pariser Zeitungen zusammen der surrealistischen Bewegung, Mitarbeit an ihren Veröffentlichungen und Teilnahme an ihren Ausstellungen. Sein Humor wendet sich dem Ungewöhnlichen und Grausamen zu, verspottet immer mehr die Absurdität des Alltags, die tragische Seite des gemeinsamen Daseins, gegen die sich der Geist und das Unbewusste auflehnen und versuchen, das Unbeobachtbare zu erreichen. Kennt Salvador Dalí. 1939 begann er auch seine Tätigkeit als Filmemacher, 1941 fand seine erste Einzelausstellung in Paris statt: Erster Käufer war Pablo Picasso. Nehmen Sie an allen surrealistischen Ausstellungen teil, einschließlich der internationalen Ausstellung von 1947 in Paris. 1951 verließ er aus Gründen der internen Disziplin der Gruppe die surrealistische Bewegung mit anderen, praktizierte aber weiterhin ihre Poetik. 1955 begeisterte er sich auch für die Fotografie. Seit 1968 widmet er sich fast ausschließlich der Malerei und gibt die Tätigkeit des humorvollen Zeichners auf. Im selben Jahr ließ er sich dauerhaft in Mailand nieder: In Italien stellte er in verschiedenen Einzelausstellungen aus, in Mailand in der Galleria Marconi. Das hier vorgestellte Werk, eine frühe Zeichnung, stammt aus einer bedeutenden Mailänder Privatsammlung. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Die Landstraße

Öl auf Hartfaser. Unten links signiert. Raoul Viviani, der als Kind mit seiner Familie 1898 nach Mailand gezogen war, schrieb sich noch sehr jung an der Brera-Akademie ein, wo er unter der Leitung von Giuseppe Mentessi (1857-1931) studierte. Gleichzeitig besuchte er die Aktschule der Künstlerfamilie, mit der er erstmals im Alter von 17 Jahren ausstellte und sofort großen Erfolg bei Publikum und Kritik feierte, als Landschaftsmaler mit starker Persönlichkeit und Modernität und für sein höchst origineller Stil, der von starken chromatischen Experimenten geprägt ist. 1912 nahm er an der Biennale in Venedig und in der Folge an zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen teil. Ab 1926 begann er seine Karriere im Bereich der Kunstkritik und schrieb für verschiedene Zeitungen, aber seine Opposition gegen den Faschismus veranlasste ihn, das freiwillige Exil zu wählen: 1931 zog er nach Uruguay, wo er die Akademie der Schönen Künste von Montevideo gründete und leitete. 1937 nach Mailand zurückgekehrt, nahm er seine Tätigkeit als Maler und Kritiker wieder auf. In den 1950er Jahren zog er aus gesundheitlichen Gründen nach Rapallo und blieb dort bis zu seinem Tod. Äußerst origineller Landschaftsmaler, der sich mit Ölmalerei, aber auch mit Aquarell und Gravur beschäftigt, der pointillistischen Malerei jedoch sehr nahe steht und eine ganz eigene Technik entwickelt, die sich durch hauchdünne Farbfäden in Form von dünnen Kommas auszeichnet, die die Strukturen definieren seiner Landschaften. Mit seiner Übertragung nach Ligurien wird die ligurische Landschaft zum Protagonisten seiner Werke und auch seiner stummen Technik, die sich vom ursprünglichen Pointillismus wegbewegt und sich einem breiten und summarischen Pinselstrich öffnet, der schließlich zu einer Produktion von Stillleben aus heftigen und kontrastierenden führt Farben. In diesem Werk, in dem die technischen Eigenschaften von Viviani sehr geschätzt werden, erscheint entlang des Feldwegs, der entlang des Kanals verläuft, eine Frauenfigur, die eine Ausnahme in seiner Produktion darstellt, der normalerweise figurative Elemente fehlen. Im Rahmen arbeiten.

St. Georg 1992

Öl auf dem Tisch. Unten rechts signiert. Auf der Rückseite in kyrillischer Schrift stehen der Titel, das Datum und der Ort in Bergamo. Der litauische Künstler, der derzeit zwischen Moskau, Italien und Großbritannien lebt und arbeitet, gilt als einer der wichtigsten zeitgenössischen russischen Künstler. In seiner großen Produktion finden sich Landschaften, Stillleben, viele Porträts berühmter Persönlichkeiten und seine surrealen Kompositionen, Ausdruck seiner eigentümlichen "Traumvision" der Realität. Auch in dieser Tabelle, wenn auch im Stil traditioneller Ikonen, wird die Darstellung des berühmten Heiligen Georg in einer surrealen Tonart vorgeschlagen, die sich auf De Chirico bezieht, wo eine Gans den Drachen ersetzt, der Kopf des Heiligen ein Ei ist, in umreißen da sie Zahlen von Zauber ..... eine deutlich unorthodoxe Interpretation sind! Das Brett hat einen vertikalen Schlitz. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Platon und Aristotel

Gemischte Medien auf Leinwand. Unterschrift, Titel, Datum und Engagement auf der Rückseite. Paolo Baratella, ein kürzlich verstorbener Künstler aus Ferrara, entwickelte seine Kunst, indem er riesige Bildzyklen komponierte, die von zeitgenössischen Themen inspiriert wurden. Wir haben daher eine Reihe von Werken von ihm, die sich unter bedeutenden Titeln versammelt haben. Ab Mitte der 1980er Jahre und bis in die 2000er Jahre wurden seine szenografischen Apparate mehr mit kulturellen, bildlichen und wörtlichen ikonografischen Referenzen angereichert. Insbesondere Baratella achtet der Ikonographie von Kunst, Philosophie und Geschichte mehr. In diesem Werk präsentiert der Künstler die Porträts der beiden großen griechischen Philosophen (stammt aus ihren traditionellen klassischen Darstellungen) und schattiert sie in einem Rahmen von rosa-blauen Farben. Die beiden einzelnen Leinwände werden nebeneinander in einem bearbeiteten Holzrahmen platziert, auf dessen zwei horizontale Kreuzungen die Wörter "Timaeus", ein von Platon geschriebenes Werk, und "Ethik", ein wiederkehrendes Thema der aristotelischen Philosophie, eingraviert sind.

Weibliche Figur 1993

Polychrome Bronzeskulptur auf Steinsockel. Signatur und Datum auf der Basis. Guido Lodigiani, ein immer noch aktiver Mailänder Bildhauer und leidenschaftlicher Lehrer an der Brera-Akademie, sagte über seine Kunst: „Ich glaube, dass der Künstler dazu berufen ist, die Wurzel menschlicher Erfahrung zu zeigen und auf diese Weise immer noch zu begeistern.“ Und die Wurzel der Existenz, ihr Schoß, ist die Frau, die Lodigiani als die Frau der Verkündigung betrachtet, als Ausdruck der ruhelosen und innigen Spannung gegenüber dem Geheimnis der Schöpfung. Lodigianis Skulptur extrahiert die Form wie aus dem Mutterleib, ausgehend von einem ursprünglichen Kern der Materie, in dem sie Hohlräume und Spannungen freilegt. Diese plastische Spannung kommt in dieser nackten weiblichen Figur gut zum Ausdruck, die sitzt, aber verdreht ist, als hätte sie es gerade getan entstand aus der undeutlichen Materie und strebte nach oben, zum Leben, zum Licht.

Mädchen im Sessel

Terrakotta-Skulptur. Unten rechts signiert. Marco Cornini, ein Mailänder Künstler, der an der Brera-Akademie ausgebildet wurde, arbeitet hauptsächlich mit Terrakotta, mit der er in Momenten menschliche Figuren schafft, sowohl männliche als auch weibliche, Männer und Frauen, oder besser noch Jungen und Mädchen mehr oder weniger derselben Generation ihre Intimität, oft als Paar, aber auch einzeln, mit sentimentalen, erotischen und leidenschaftlichen Werten. Hier sehen wir eine nackte Frau, die in einem Sessel in einem Raum sitzt, in einer Haltung inniger Verzweiflung.

Ohne Titel 1958

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Das Werk von starker emotionaler Wirkung schlägt einen fast monochromatischen violetten Hintergrund vor, in den einige schwarze und weiße Striche eingefügt werden, um eine auf der linken Seite zusammengerollte Silhouette zu definieren, vielleicht eine menschliche Form, gesammelt und in sich geschlossen. Der 1934 in Viareggio geborene und bis heute lebende Maler und Bildhauer Mario Francesconi gilt als einer der wenigen Überlebenden des Dadaismus, der seit Ende der 1950er-Jahre auf einer ausgesprochen persönlichen Suche die Saisonen der italienischen und europäischen Kunst durchläuft Formen und Techniken. Ausgehend von seiner ersten Einzelausstellung im Jahr 1959 entwickelt er einen künstlerischen Weg, der verschiedene Phasen durchläuft, was oft auf eine Leidenschaft für schlechte und recycelte Materialien zurückzuführen ist. Seine künstlerische Tätigkeit bewegt sich zwischen den Bereichen Malerei, Skulptur, Collage und Installation und grenzt an die angrenzenden Bereiche der Poesie und Literatur, auch dank Freundschaften und beruflichen Beziehungen zu einigen der bedeutendsten Persönlichkeiten der intellektuellen Welt des Italieners der zweiten Hälfte des letzten Jahrhunderts, von Emilio Villa bis Cesare Garboli, von Leonardo Sciascia bis Mario Luzi, von Cesare Zavattini bis Pier Paolo Pasolini, von Alfonso Gatto bis Sandro Penna bis Venturino Venturi. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.