PINTURAS DEL '900
 

Bordado sobre tela de algodón. Japón, período Meiji (1868 -1912). El gran panel de tela de algodón bordado ofrece un tema naturalista: águilas y otras aves aparecen representadas entre montañas estilizadas y ramas de pino y glicina. El bordado se presenta en marco estilo.

Desnudo femenino 1912

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. Preciosa composición con una figura femenina desnuda sobre la cama, mirando una rosa colocada frente a ella, un pequeño espejo en la mano, un bonito jarrón sobre la mesita de al lado. Es obra del pintor húngaro Papp Bertalan, que se dedicó principalmente a retratos y naturalezas muertas, y que murió joven después de haber alcanzado ya un buen éxito. El cuadro se presenta en un marco dorado de mediados del siglo XX.

Retratos de niños 1930

Fotografías retocadas con pasteles. Firmado abajo a la derecha. En el reverso de tres de ellos figura la fecha 11 de noviembre de 1930. Se muestra una secuencia fotográfica del retrato de tres niños, que cambian ligeramente de pose o expresión. Son obra de la fotógrafa británica Eva Barrett quien, tras una primera experiencia como pintora, decidió dedicarse a la fotografía pensando que "era mejor ser una fotógrafa de primera que una [pintora] de segunda". Tras trasladarse a Roma en 1913, instaló aquí su laboratorio. Pictorialista, con una pequeña cámara, Eva Barrett creó un método fotográfico propio que recordaba al dibujo: aplicaba unos trazos de lápiz muy ligeros, consiguiendo crear imágenes tenues pero con negros especialmente densos, manteniendo así las características de la fotografía y el retrato. De esta manera tuvo mucho éxito y su carrera despegó. Eva Barrett fotografió a la familia real italiana, a las esposas y a los hijos de embajadores extranjeros, y también recibió numerosos encargos de la realeza europea en Bélgica, Suecia y Grecia. Los cuatro retratos se presentan en marcos de estilo.

Pinturas sobre papel. Irán, primera mitad del siglo XX. Las miniaturas representan a seis personajes masculinos, dedicados a diferentes actividades, pintados imitando el estilo de Reza Abbasi, miniaturista, pintor y calígrafo persa (1565 – 1635). Las figuras están inscritas en un marco de papel aplicado y rodeadas de decoraciones florales y de hojas monocromáticas. Se presentan en marcos elegantes.

Naturaleza muerta con juego

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Al reverso, cartela de galería con los datos de la obra. Alfio Paolo Graziani optó por la fiel transposición de la realidad a sus lienzos, creando composiciones casi hiperrealistas debido a la precisión en la reproducción de los distintos materiales y superficies, así como a los efectos de la luz que incide sobre ellos. Apodado "Príncipe de las Flores" por la abundante producción de composiciones florales, también creó paisajes, retratos y naturalezas muertas, como la obra que aquí presentamos, que presenta un rincón del cazador, donde se añaden las presas cazadas, esparcidas desordenadamente sobre una superficie de apoyo. , los restos de la salida de caza (el rifle, el cuerno, algunos casquillos, restos de algunos pertrechos). La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte inferior izquierda hay una firma no identificada. Gran composición de flores abigarradas, colocadas al aire libre sobre un terreno desnudo y desierto. Los colores de las flores se aplican con cierta consistencia material, haciéndolas resaltar y emerger del fondo casi monocromático. El cuadro tiene algunas salpicaduras de suciedad en la esquina inferior izquierda. Se presenta en un marco contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado Bertolotti abajo a la derecha. Ofrece una visión de un bosque, con plantas escasas y altas y un sotobosque lleno de rocas cubiertas por un césped verde; A través de los árboles, se abre una hendidura en el centro, inundada de luz, que enmarca los escarpados picos de las montañas. El cuadro, de fuerte impacto escenográfico, se presenta en un marco contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. La composición recuerda las producciones del siglo XVII y ofrece una mesa ricamente cargada de bandejas de frutas, cestas de cerezas, cestas de melocotones y racimos de uvas con hojas de parra decorativas, terrinas con semillas y vasos, coronada por una cortina y colocada sobre una tela. En algunos puntos se utilizó el color de forma muy matérica, para resaltar, por ejemplo, los tallos de las hojas de parra o para crear reflejos de luz en los frutos. La pintura presentada en un marco de estilo.

La incredulidad de Tomás

Vidrio emplomado, con vidrio policromado pintado a mano. Se representa la escena del Evangelio en la que Santo Tomás, después de haber dudado de su Resurrección anunciada por los demás discípulos, reconoce a Jesús que se le aparece y le pide que toque con la mano sus heridas en la Cruz. La obra presenta ligeras roturas y faltan unos cristales originales, que han sido sustituidos. Está montado en un marco reciente.

La época de Messi, 1974

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la izquierda. El cuadro, procedente de una colección privada de Pavía, está publicado en la página 74 de la monografía de Simona Morani dedicada al artista Primo Carena (ediciones Bolis), con la presentación firmada por la crítica de arte Rossana Bossaglia. El paisaje montañoso expresa bien la tenue intimidad asociada al riguroso realismo que caracteriza la producción pictórica del pintor paviano. En sus paisajes, Carena tiende a "captar la realidad atmosférica de los lugares sin caer en el descriptivismo... pero apoyado constantemente en una vena lírica, que es el motivo subyacente de toda su producción". La obra se presenta en un marco de época.

Contraluz montañosa, 1960

Óleo sobre cartón. Firmado y fechado abajo a la derecha. El cuadro, procedente de una colección privada de Pavía, está publicado en la página 70 de la monografía de Simona Morani dedicada al artista Primo Carena (ediciones Bolis), con la presentación firmada por la crítica de arte Rossana Bossaglia. En el reverso hay un sello de participación de la obra en la exposición personal del artista en el Castello Visconteo de Pavía en 1992. El paisaje, una extensión de campo con un telón de fondo de colinas, expresa bien la intimidad tenue asociada al realismo riguroso que caracteriza el cuadro de producción del pintor paviano. En sus paisajes, Carena tiende a "captar la realidad atmosférica de los lugares sin caer en el descriptivismo... pero apoyado constantemente en una vena lírica, que es el motivo subyacente de toda su producción". La obra se presenta en un marco de época.

Calle del pueblo, 1941

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. El cuadro, procedente de una colección privada de Pavía, está publicado en la página 59 de la monografía de Simona Morani dedicada al artista Primo Carena (ediciones Bolis), con la presentación firmada por la crítica de arte Rossana Bossaglia. La vista de la ciudad expresa bien la tenue intimidad asociada al riguroso realismo que caracteriza la producción pictórica del pintor paviano. En sus paisajes, Carena tiende a "captar la realidad atmosférica de los lugares sin caer en el descriptivismo... pero apoyado constantemente en una vena lírica, que es el motivo subyacente de toda su producción". La obra se presenta en un marco de época.

Árboles en la niebla, 1978

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. El cuadro, procedente de una colección privada de Pavía, está publicado en la página 73 de la monografía de Simona Morani dedicada al artista Primo Carena (ediciones Bolis), con la presentación firmada por la crítica de arte Rossana Bossaglia. El paisaje lacustre expresa bien la tenue intimidad asociada al riguroso realismo que caracteriza la producción pictórica del pintor paviano. En sus paisajes, Carena tiende a "captar la realidad atmosférica de los lugares sin caer en el descriptivismo... pero apoyado constantemente en una vena lírica, que es el motivo subyacente de toda su producción". La obra, presentada en un marco de estilo, está publicada en la página 75 de la monografía de Simona Morani dedicada al artista Primo Carena (ediciones Bolis), con la presentación firmada por la crítica de arte Rossana Bossaglia. El paisaje expresa bien la tenue intimidad asociada al riguroso realismo que caracteriza la producción pictórica del pintor paviano. En sus paisajes, Carena tiende a "captar la realidad atmosférica de los lugares sin caer en el descriptivismo... pero apoyado constantemente en una vena lírica, que es el motivo subyacente de toda su producción". La obra se presenta en un marco de época.

San Pietro in Verzolo

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. El cuadro, procedente de una colección privada de Pavía, está publicado en la página 70 de la monografía de Simona Morani dedicada al artista Primo Carena (ediciones Bolis), con la presentación firmada por la crítica de arte Rossana Bossaglia. En el reverso hay un sello de participación de la obra en la exposición personal del artista en el Castello Visconteo de Pavía en 1992. El paisaje, una extensión de campo con un telón de fondo de colinas, expresa bien la intimidad tenue asociada al realismo riguroso que caracteriza la producción pictórica del pintor paviano. En sus paisajes, Carena tiende a "captar la realidad atmosférica de los lugares sin caer en el descriptivismo... pero apoyado constantemente en una vena lírica, que es el motivo subyacente de toda su producción". La obra se presenta en un marco de época. en la página 66 de la monografía de Simona Morani dedicada al artista Primo Carena (ediciones Bolis), con la presentación firmada por la crítica de arte Rossana Bossaglia. En el reverso hay un sello de participación de la obra en la exposición personal del artista en el Castello Visconteo de Pavía en 1992. La vista del pequeño pueblo de las afueras de Pavía, vista desde el campo, expresa bien la tenue intimidad asociada con el realismo riguroso que caracteriza la producción pictórica del pintor paviano. En sus paisajes, Carena tiende a "captar la realidad atmosférica de los lugares sin caer en el descriptivismo... pero apoyado constantemente en una vena lírica, que es el motivo subyacente de toda su producción". La obra se presenta en un marco de época.

Filósofo

Óleo sobre cartón. Firmado abajo a la derecha. Procedente de una colección privada en Pavía. El cuadro propone un tema retomado varias veces por Primo Carena, tanto con grupos de varios personajes insertados en un paisaje, como con una figura solitaria como aparece en este cuadro, que pertenece a la producción de los años cincuenta. El hombre en la playa, sentado, apoyado con el codo sobre un capitel de mármol, y con el paño apoyado sobre las piernas, recuerda al personaje anciano sentado en una obra de De Chirico, el Saludo a los argonautas, y subraya bien el referencia a la metafísica de la pintura que el pintor paviano quiso expresar en sus pinturas de figuras de los años cincuenta y sesenta. La obra se presenta en un marco.

Placa de bronce con figura en bajorrelieve. Se representa la figura de un hombre desnudo, sosteniendo una flecha y apuntándola al centro de un blanco: el simbolismo es evidente, es decir, la exaltación de la determinación del hombre que debe ir directo al blanco; este significado se adapta bien al período fascista al que se remonta la placa, al igual que la referencia al clasicismo. La placa se inserta y se presenta en un marco de madera contemporáneo.

La Valeta en verano

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. En el reverso hay otra firma con el título de la obra. Acompañado de un certificado de autenticidad de la casa de subastas Meeting Art de Vercelli. Pintor de la provincia de Novara, Severino Ferraris fue un paisajista que pintó con colores vivos y luminosos los valles de Ossola, el esplendor de sus nieves, la romántica sucesión de casas de campo y altísimos campanarios, todo el calor de los otoños o el suspiro de las primaveras. volviendo a despertar, con una pintura llena de pureza e ingenuidad. La obra se presenta en un marco.

El organillero

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Rastro de una fecha, no legible. El artista de Cuneo Ottavio Steffanini tuvo una vida en constante movimiento, dividida entre Italia, Europa, América (en particular Venezuela). Artista inquieto e impredecible, concentró su pintura sobre todo en figuras femeninas, retratadas con plácida sensualidad y una opulencia influenciada por los maestros españoles con los que estudió. Pero en su producción no faltan otros temas, unidos por una incesante exaltación de la vida, de la naturaleza. Aquí, sin embargo, se propone una figura masculina, el retrato de medio cuerpo de un acordeonista, digno y orgulloso en su pose y mirada. La obra se presenta en un marco de época.