PINTURA ANTIGUA
 

La predicación del Bautista

Pintura al óleo sobre lienzo. La pintura se remonta al ámbito de Pier Francesco Mola, conocido como Ticinese, pintor activo en Italia en el siglo XVII cuya producción incluyó al menos dos lienzos con el mismo tema (en la National Gallery de Londres y en el Thyssen- Fundación Bornemisza en Lugano). En estas obras de Mola, hasta entonces predominantemente paisajista, la figura humana comienza a cobrar un papel primordial respecto al paisaje, pero la atención al elemento naturalista siempre se mantuvo viva en toda la producción de este artista, que siempre buscó una Relación adecuada entre las figuras y el fondo. Este equilibrio se encuentra en el trabajo aquí presentado: las figuras se ubican dentro del paisaje, bien distribuidas en espacios y en diferentes niveles de profundidad, e interactuando con los elementos naturalistas. La figura del Bautista está sentada sobre una roca aislada y árida; la multitud que escucha al Profeta, dispuesta en semicírculo en primer plano, de espaldas o de perfil, casi se confunde con algunos árboles estériles y con la escasa y pobre vegetación circundante; a lo lejos, a la derecha y señalado por el Bautista, avanza Cristo, figura sombreada y azul en el paisaje igualmente sombreado y azul. Restaurada y revestida a finales del siglo XIX, la pintura se presenta en un marco dorado de la segunda mitad del siglo XIX.

Témpera sobre madera que representa una figura femenina de medio cuerpo; lleva un vestido rojo sobre una túnica de color claro, mientras que un paño verde descansa sobre su hombro derecho. El cabello rojo está recogido en una raya central y está parcialmente cubierto por un tocado blanco; el rostro lleno tiene una expresión absorta: la mirada pensativa, las cejas arqueadas y los labios ligeramente fruncidos. Presentado en un marco realizado con partes de un marco antiguo de mayor tamaño.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. Se representa un episodio bíblico del Antiguo Testamento: Susana, la bella y casta esposa de Joaquín, un judío rico, es amenazada por dos ancianos jueces del pueblo mientras se baña en su jardín. El tema ha sido ampliamente tratado en el art. En este cuadro, la bella israelita ocupa el centro de la escena: colocada al aire libre cerca de una fuente, a la izquierda, adornada con la estatua de un querubín montado en un gran pez, de estilo barroco, la joven expresa miedo, en su mirada y en el gesto del brazo que intenta tapar la desnudez. A la derecha emergen los dos ancianos, con miradas lascivas: uno de los dos pide silencio a la mujer con una mano, con la otra le ofrece una rica diadema con la que intenta comprarla. El cuadro es vivo en su composición figurativa, con bellos efectos luminosos en los colores de la tez y de la ropa, con atención al detalle en la descripción de las joyas en particular (la tiara y la horquilla de la niña). Los dos hombres tienen rostros que tienden a lo grotesco, en la expresión bien marcada por arrugas, narices grandes, ojos grandes. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro ofrece un retrato de medio cuerpo de dos santas: jóvenes y hermosas, la de la derecha lleva una corona en la cabeza, pero no existen otros signos iconográficos que permitan su identificación. Sobre ellos flota, rodeada de luz, la paloma símbolo del Espíritu Santo, hacia la que se dirige la mirada de la reina, mientras la otra mujer mantiene humildemente la vista baja. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena cuenta el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el pequeño Moisés, a quien su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la masacre de los niños varones israelíes (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que la población israelí llegaron a ser demasiado numerosos y podían rebelarse contra la esclavitud), fue encontrado por una sirvienta de la hija del Faraón, quien decidió adoptarlo y salvarlo. La escena, situada a lo largo del río, está enteramente ocupada por las figuras femeninas del séquito principesco, apiñadas y proyectadas hacia el ángulo inferior derecho, donde se coloca la cesta con el recién nacido. Todas las miradas también se vuelven hacia el niño, en la dirección que indica el brazo extendido de la mujer en primer plano a la derecha. Destaca la redondez de las formas femeninas, especialmente de las tres figuras en primer plano, donde juegos de luces y sombras resaltan las tez que emergen de las ropas. Restaurada y revestida, la pintura se presenta enmarcada.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del sur de Italia de los siglos XVII-XVIII. La escena, llena de personajes, tiene en el centro la figura de un líder, bien definida en los detalles de la armadura, la cimera, así como la anatomía: acompaña benevolentemente con el movimiento de sus brazos a un hombre arrodillado que Junto a su compañero, rinde homenaje a un emperador, pero señala con la mano extendida al grupo de seis niños, retenidos a la derecha por los soldados. El emperador se ha levantado del trono, a la izquierda, y va al encuentro de la pareja postrada, pero también él parece casi en una actitud de reverencia hacia el líder central. La escena parece hacer referencia a un episodio histórico de clemencia de un líder, que por su edad, rasgos y tipo de armadura, podría ser Alejandro Magno, personaje que, sin embargo, resulta difícil de igualar con la otra figura coronada de laurel. , que desciende del trono en el suntuoso palacio . Por tanto, no es posible identificar específicamente el episodio (¿histórico o legendario?) de referencia. Además, se aprecia la riqueza compositiva de la escena, con numerosas figuras bien detalladas y colores vivos que subrayan su dinamismo. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo.

escena de caza

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. La gran escena, ambientada en un paisaje nórdico, con una espesa vegetación bajo impermeables picos azules, representa el momento culminante de la caza de un cervatillo: el caballero, que ocupa la parte superior de la escena, lanza a la presa, aterrorizado y destrozado. En agonia; A su alrededor participa la jauría de perros, corriendo alrededor del jinete y la presa. Entre todos destaca el perro del centro abajo, el único de pelaje claro: el intenso brillo que emana y que resalta el cuidado diseño de su pelaje, los músculos en movimiento, la expresión exaltada del animal, hace lo convierten en protagonista de la escena, atrayendo la mirada hacia ellos mismos, mientras que todas las demás figuras, incluido el caballero, se convierten en el contorno, exacto y preciso pero no en el protagonista. Es precisamente la precisión en la pintura de los animales lo que sitúa la obra cerca de la producción de Philip Peter Roos, conocido como Rosa da Tivoli: originario de Frankfurt pero luego trasladado a Roma, donde permaneció hasta su muerte, este artista fue muy activo anteriormente. todo como un pintor de animales, fotografiado en primer plano sobre fondos paisajísticos y ejecutado con colores ricos e intensos efectos de luz. El gran éxito que tuvo y la consiguiente altísima producción (a veces en detrimento de la calidad de las obras), justifican la frecuente atribución a este pintor de obras con un tema y una técnica pictórica próximos al suyo, como la que aquí se presenta, que sin embargo no está documentado ni validado. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Juego de putti

Óleo sobre lienzo. En la escena de los tres querubines juego en el teatro, el uso de una máscara de risas, y por asustar a la compañía, mientras que el tercero es fanciullescamente disfrazado de vagabundo. Restaurado.

Pintura al óleo sobre lienzo. En el reverso hay un pergamino con una antigua atribución a Hubert Robert (1733 -1808), pintor francés que viajó por Italia trayendo consigo diversas vistas y vislumbres pintorescos, poblados de ruinas arquitectónicas. En esta obra se vislumbra un paisaje montañoso en un pueblo con casas de campo y una fuente en el centro, en medio del cual, sin embargo, también se encuentran ruinas arquitectónicas clásicas: en el centro, tres columnas de un templo, más a la izquierda las ruinas de un anfiteatro. Varias figuras populares deambulan entre las estructuras. Restaurada y revestida, la pintura se presenta enmarcada.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. En la escena ambientada dentro de una taberna, se describe una pelea entre dos hombres, que son detenidos por los otros clientes y por el posadero; sobre la mesa, junto al almuerzo interrumpido, las cartas del juego que desató la pelea. Toda la escena está repleta de figuras, pintadas de forma cruda y casi grotesca, con expresiones y poses muy marcadas, casi teatrales, también subrayadas por colores vivos. Debido a estas características, los ataques pintura así en que la producción de escenas de género de dibujo de la vida popular capturado en sus momentos más característicos y, que se generó a partir del siglo XVII en el centro de Europa, sobre todo en los Países Bajos, se deben reemplazar por temas más ligeros eran pintura naturalista y religiosa, y que en Italia encontraron una expresión particular en la "Escuela Bamboccianti", desarrollada en Roma por pintores flamencos e italianos. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. La escena se desarrolla en la tienda de un barbero, que tiene la intención de cortar el cabello de un hombre bajo la atenta mirada de los otros clientes y, sobre todo, de algunas mujeres con hijos, uno de los cuales incluso observa el resultado de la Opera. Las gafas se introdujeron en el arte primero como un signo de distinción, y luego también como un signo de atención científica, delineando progresivamente la figura del erudito, médico y cirujano: en este lienzo realmente subrayan la ironía de la escena, utilizada como herramienta. ¡para un examen femenino detallado del corte de pelo de su esposa! Toda la escena está repleta de figuras, pintadas de forma cruda y casi grotesca, con expresiones y poses muy marcadas, casi teatrales, también subrayadas por colores vivos. Debido a estas características, los ataques pintura así en que la producción de escenas de género de dibujo de la vida popular capturado en sus momentos más característicos y, que se generó a partir del siglo XVII en el centro de Europa, sobre todo en los Países Bajos, se deben reemplazar por temas más ligeros eran pintura naturalista y religiosa, y que en Italia encontraron una expresión particular en la "Escuela Bamboccianti", desarrollada en Roma por pintores flamencos e italianos. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco de época.

Escena galante y escena pastoral

Par de pinturas sobre cuero, que representan una escena galante y una escena pastoral. En marcos con estilo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVIII. Las dos animadas composiciones de flores abigarradas se colocan una en una palangana de cobre y la otra en una cesta; están realizados con diferentes flores en los dos lienzos, aunque en ambos son multicolores, destacando bien sobre el fondo oscuro y oscuro. Restauradas y revestidas, las dos pinturas se presentan en elegantes marcos.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea de finales del siglo XVIII. La escena narra un episodio bíblico ampliamente reproducido en el arte pictórico, tomado del libro de Ester: la joven israelita, que por su belleza había sido elegida como esposa por el rey Asuero (probablemente el persa Jerjes), intercede ante el propio rey para salvarla. su pueblo, amenazado de exterminio y víctima de un complot del malvado consejero Aman. La obra representa a la reina Ester mientras, acompañada de su séquito, en todo su esplendor es recibida benevolentemente por el rey, quien la apoya ante el desfallecimiento al que está sometida por el miedo, mientras la denuncia y la desenmascara, indicándole en él, las intrigas del pérfido Amán que retrocede atemorizado. La pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela emiliana del siglo XVII-XVIII. Se trata de una copia antigua de la famosa pintura sobre tabla de Correggio, titulada La Virgen de San Girolamo o Il Giorno, que data de alrededor de 1528 y se conserva hoy en la Galería Nacional de Parma. El tema de la representación es la presentación por parte de San Jerónimo a Jesús de la traducción de la Biblia del hebreo al latín popular, obra realizada por el santo a petición del Papa Dámaso y que llevó a cabo encerrándose en soledad en la cueva de Belén. . En el cuadro, el protagonismo de la escena lo ocupa María sentada con el Niño Jesús en brazos, alrededor de ella se componen diversas figuras formando un semicírculo. A la izquierda está la poderosa figura del viejo Jerónimo de pie, mirando al Niño, con el rollo de traducción en la mano, con el león, su compañero ermitaño, agachado a sus pies. En el mismo lado, un ángel sostiene la Biblia mientras se dirige sonriente a la Virgen y al Niño. Del otro lado, Magdalena yace semireclinada, abrazando cariñosamente el pie del bebé, quien a su vez acaricia su cabello, en un gesto íntimo que subraya el intenso vínculo entre las dos figuras. Detrás de Magdalena, un angelito arruga la nariz olfateando el frasco de ungüentos del santo penitente. La escena se sitúa bajo una cortina roja, abierta a un gran paisaje. La pintura de Correggio tuvo un gran éxito, hasta el punto de que existen numerosas copias y réplicas antiguas, incluida ésta que se presenta aquí. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo y contemporáneo.