Cuadro El Tránsito de San José

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII. María y el Niño Jesús, de rodillas, están representados ya en la gloria del cielo, con angelitos a su lado. Son peculiares el collar y las pulseras de coral que porta el Niño: en el simbolismo cristiano el color de este material representa la sangre que Jesús tendrá que derramar; además, desde la antigüedad, el coral también era considerado un talismán de protección contra el mal de ojo y las fuerzas del mal, y se adornaba con él a los niños pequeños para protegerlos del maligno. La pintura está sobre un primer lienzo y se presenta en un marco antiguo y contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. Escuela genovesa del siglo XVIII. El paisaje campestre ve en el centro una estructura ruinosa, las ruinas de un edificio a través de cuyas paredes desgarradas se ven fluir las masas de nubes blancas al fondo; Delante de él fluye un pequeño arroyo, junto al cual una mujer lava ropa, mientras su compañero está sentado en una roca cercana, en línea con la figura femenina y casi simétricamente con la figura femenina. La escena se caracteriza por una particular investigación luminística, por un dinamismo de las formas (se nota la continuidad direccional del follaje del árbol con el techo de la ruina y las nubes) y por la teatralidad de las figuras, todos elementos que han definido la producción pictórica del barroco genovés. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. La escena representa el episodio narrado en el libro bíblico del Génesis, de la expulsión de Adán y Eva del Jardín del Edén, después de que cometieron el pecado de comer el fruto prohibido, fruto del árbol del conocimiento del Bien y del Mal. Conscientes de su desnudez, el hombre y la mujer son expulsados ​​por un arcángel, con la espada de la justicia en la mano y rodeados por una nube de fuego, se lanzan avergonzados y modestos al mundo, representado en un paisaje nórdico. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de principios del siglo XX, con decoraciones y frisos de madera tallada y aplicada.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. La escena muestra el enfrentamiento entre caballeros fuera de las murallas de una ciudad sitiada, con el humo de las armas de fuego invadiendo el cielo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo adaptado. La escena muestra el enfrentamiento entre caballeros fuera de las murallas de una ciudad sitiada, con el humo de las armas de fuego invadiendo el cielo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo adaptado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. Caratacus fue un rey celta de la tribu británica Catuvellauni y líder de la resistencia antirromana y famoso como luchador por la libertad. Durante ocho años resistió la invasión romana de Gran Bretaña a partir del año 43 d.C. Durante ocho años fue el hombre más buscado del Imperio Romano, perseguido sin descanso, de lucha en lucha, de fortaleza en fortaleza, en las montañas de Gales, hasta que no fue traicionado y entregado a los romanos en el año 51 d. C. por Cartimandua, reina de los bandidos de Yorkshire, a quien había acudido en busca de ayuda. Derrotado, fue llevado encadenado a Roma con toda su familia: llevado ante el emperador, el rey británico habló con tal sabiduría y orgullo (con el discurso relatado por Tácito en sus Annales) que Claudio, impresionado por sus palabras, le concedió la gracia. a él, a su esposa y a sus hermanos, permitiéndoles pasar el resto de sus días en Roma. El cuadro presenta el momento de la perorata de Carataco, en el centro de la escena encadenado, defendiendo fervientemente su caso ante el emperador: está sentado en su trono, flanqueado por su esposa y rodeado de senadores y soldados. La pintura, restaurada y revestida a finales del siglo XIX, presenta ligeros daños.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Según la tradición cristiana, santa Verónica fue la "mujer piadosa" que, al ver la pasión de Jesús cargando la cruz y su rostro sucio de sudor y sangre, lo limpió con un lienzo, en el que habría quedado la huella del rostro de Jesús. Este velo, también conocido como Sábana Santa, se ha convertido, por tanto, en el signo iconográfico del santo: también en este cuadro la Verónica aparece en el centro, mientras que dos ángeles a los lados sostienen el lienzo en el que está impreso el rostro de Cristo coronado de espinas. ; debajo, un cáliz que recoge simbólicamente la sangre divina, mientras que sobre la teta del santo flota el Espíritu Santo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. La composición presenta una liebre colgada en el centro, flanqueada por unas codornices y una paloma; en el lado derecho, una cesta de mimbre que contiene castañas y ramas de pino; en el lado izquierdo un manojo de espárragos y un jarrón con flores de colores, cuyos colores vivos y brillantes crean un contraste cromático con el resto de elementos, todos en tonos marrones y grises. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco reutilizado del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el pequeño Moisés, a quien su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la masacre de los niños varones israelíes (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que la población israelí llegaron a ser demasiado numerosos y podían rebelarse contra la esclavitud), fue encontrado por una sirvienta de la hija del Faraón, quien decidió adoptarlo y salvarlo. La escena se desarrolla a orillas de un río pero en un paisaje no oriental, con estructuras arquitectónicas a la derecha: numerosas figuras que representan el séquito de la princesa, colocadas en el centro junto con el niño en la canasta. El lienzo restaurado se aplicó sobre un bastidor moderno. Se presenta en un marco del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. En la parte posterior, este monograma No.S. y cifras probables de inventario. La pintura recuerda obras de la zona austriaca. Representa una batalla entre caballeros, dominada en primer plano por el enfrentamiento entre dos de ellos. La pintura proviene de una colección histórica lombarda. Todavía en el primer lienzo y en el marco original; en la parte posterior hay parches y signos de restauraciones antiguas, y también ha sido sometida a posteriores restauraciones pictóricas y restauradoras en nuestro laboratorio. Cretto bien marcado. La pintura se presenta en un marco original y coetáneo, lacado.

Querubines Naipes

Óleo sobre lienzo. En la escena que se desarrolla en un interior, pero la gran ventana que enmarca un paisaje, tres querubines sentado en los bancos de jugar con cartas, tratando de construir un castillo. Restaurado.

El Milagro de Soriano

Pintura al óleo sobre lienzo. El lienzo relata el milagro de Soriano: en esta localidad de Calabria, la Virgen con María Magdalena (reconocible por el frasco de ungüento) y Catalina de Alejandría (portando la palma del martirio), se aparecería en 1530 a un joven dominico, para entregarle una imagen de San Domenico para que la colocara en el convento que construyó. Una bella versión del cuadro es la de Grechetto, de 1654-1655, conservada en Génova: la nuestra parece estar inspirada en esta obra, que vuelve a proponer la composición tensa de las figuras. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. El tema mitológico que retrata juntas a las dos divinidades, símbolo del amor profano, ha sido ampliamente ilustrado en el arte: como en esta obra, Venus suele ser representada en actitud lánguida, mientras exhibe su Belleza desnuda; Cupido, vestido de putto alado, está empeñado en sacar de la aljaba uno de sus dardos que inducen al enamoramiento, uno de los cuales ya está clavado en el baúl detrás de la diosa. Al fondo un paisaje italiano, con una pequeña estructura arquitectónica. La forma de la pintura se refiere a un marco con forma original. Restaurada y revestida, la pintura se presenta actualmente en un marco de época.