Lápiz sobre papel. Firmado en la parte posterior. El dibujo se encuentra registrado en el Archivo Fausto Melotti, con código DIS 72006. Fausto Melotti fue un artista polifacético y muy prolífico y es casi imposible vincular su producción a una determinada técnica o tema, sin brindar solo una visión parcial de su visión artística. . Los rasgos sobresalientes que son constantes en Melotti son la geometría, el estudio de la abstracción, que lo lleva a utilizar elementos realistas pero no científicamente precisos, y la disposición de los elementos para que recuerden un ritmo musical, detalle que remite a su formación como músico. Escultor, pintor, músico, poeta, realizó numerosos dibujos de diseño para sus obras. Dibujar representó para él un ejercicio fundamental, transfundir el rasgo gráfico original de las hojas de papel a las esculturas y cerámicas. Las esculturas por las que es más conocido están formadas por elementos geométricos elaborados con metales (latón, hierro y oro) trabajados en finos filamentos, dando vida a composiciones etéreas, ingrávidas y casi frágiles. La obra se presenta en un marco.

Estudio 1992

Técnica mixta sobre papel. Firmado y fechado abajo, con título. En el reverso sello del artista con la firma, título y fecha de la obra. Caccioni, artista que nació, se formó y aún vive en Bolonia, es uno de los protagonistas de una generación que ha alcanzado ahora una maduración lingüística definitiva y ocupa un espacio importante dentro del panorama artístico contemporáneo. Su investigación utiliza principalmente materiales insólitos como acetatos, PVC y, más recientemente, fondos escénicos de obras teatrales del siglo XIX, sobre los que interviene pintando formas extraídas de una memoria personal y de sugerencias procedentes de diferentes culturas y épocas históricas. Un elemento recurrente en la obra de Luca Caccioni es la escritura, signo autosignificativo que diseña la obra y es capaz de narrar pensamientos; Trabajando por superposición, las imágenes se construyen mediante suma o resta de color en los distintos soportes. Trabajar en marco.

Técnica mixta sobre papel. En el reverso el sello del artista con la firma, el título (no descifrado) y la fecha de la obra. Caccioni, artista que nació, se formó y aún vive en Bolonia, es uno de los protagonistas de una generación que ha alcanzado ahora una maduración lingüística definitiva y ocupa un espacio importante dentro del panorama artístico contemporáneo. Su investigación utiliza principalmente materiales insólitos como acetatos, PVC y, más recientemente, fondos escénicos de obras teatrales del siglo XIX, sobre los que interviene pintando formas extraídas de una memoria personal y de sugerencias procedentes de diferentes culturas y épocas históricas. Un elemento recurrente en la obra de Luca Caccioni es la escritura, signo autosignificativo que diseña la obra y es capaz de narrar pensamientos; Trabajando por superposición, las imágenes se construyen mediante suma o resta de color en los distintos soportes. Trabajar en marco.

Sextante 14 1989

Serigrafía a color sobre papel. Firmado a lápiz abajo a la derecha, numerado n. IV/XV abajo a la izquierda. Se acompaña de una autenticación con fotografía de la casa de arte "Il borghetto" de Milán. La obra formó parte de la serie "Sestante", compuesta por 16 serigrafías diferentes. En 1982 Alberto Burri creó Sestante, un gran ciclo de diecisiete cellotex y una escultura de hierro, que fue expuesto de mayo a septiembre del año siguiente en el espacio de los antiguos astilleros Giudecca de Venecia. La evocación del antiguo instrumento náutico, que utilizaban los viajeros para establecer la posición de un punto determinado respecto del horizonte, es un homenaje al destino marítimo de Venecia. Las pinturas son el enésimo desafío de Burri: en sus combinaciones las formas y colores del "sextante" crean un ciclo inagotable donde no hay la más mínima repetición. Dentro de un mismo cuadro, o en la yuxtaposición de uno con otro, el caleidoscopio de formas permite que convivan estructuras cuadradas y curvilíneas, junto con grandes fondos cromáticos y densos patrones visuales. En 1989 el artista propuso nuevamente el ciclo como obra gráfica, creando la serie "Sestante". El historiador del arte Bruno Corà afirmó que "en el caso de Burri, hablar de gráfica no significa hablar de una producción menor respecto a la pintura, sino sólo de una modalidad artística diferente y paralela, en concepción y ejecución, en definitiva tal que pueda incluirse con absoluta importancia en la producción del gran pintor, junto con todos sus demás pronunciamientos revolucionarios e innovadores". La obra se presenta en un marco.

Composición de cuatro paneles, 1978.

Técnica mixta sobre lienzo aplicada sobre paneles de madera, que proponen una secuencia. Abajo a la derecha las iniciales del artista GB y la numeración de los paneles; en el reverso de cada tabla aparece la firma completa, con la fecha y los siguientes títulos secuenciales: "Por El Bosco", "Declinación de un búho", Transcripción" y "Desaparición por coquetería". Gabriella Benedini ha definido su figura como artista como "una nómada en busca del significado profundo de las cosas". Aunque atraída e interesada por la pintura abstracto-informal primero, por el Realismo Existencial y luego por la Nueva Figuración, Gabriella Benedini continúa con una investigación estrictamente personal no asimilable a ninguna corriente específica. Los años setenta estuvieron marcados principalmente por obras pictóricas que eran reflejo de ideas literarias filtradas por su necesidad de crecimiento y comparación. A través de su pasión por la Alquimia, Benedini comenzó a transformar todo lo que podía en obras de arte. Libros antiguos, botellas, todo se combina en un conjunto armonioso que recuerda los espacios, por lo que sus obras se vuelven sobre todo tridimensionales, o para colgar en la pared, o son esculturas, incluso de gran tamaño. Los cuatro paneles se presentan aquí en un solo marco.

Cuadro dorado

Técnica mixta sobre contrachapado (pintura y láminas de papel plateado). Al dorso, auténtico con sello y firma de la hermana del artista. La obra pertenece a la serie Tableaux dorés, obras creadas por el artista milanés Remo Bianco a partir de la década de 1950. Nacido y educado en Milán, Remo Bianco fue alumno de De Pisis, en cuyo estudio frecuentó a los grandes artistas italianos del siglo XX (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Tras el interludio de la guerra (alistado, hundido con su barco y hecho prisionero en Túnez), retomó su actividad artística en Milán, participando en el Movimiento Nuclear y el Espacialismo, llegando a desligarse por completo de la pintura figurativa para crear obras hechas de pinceladas de puré de patata. A principios de los años cincuenta comenzó a crear obras, pictóricas y escultóricas, con diferentes materiales ya experimentar con diferentes temas y técnicas; a esta producción pertenecen los Tableaux dorés, compuestos por láminas de aluminio plateadas o doradas sobre bases pintadas. La obra se presenta en un marco.

Flor Urbana 2016

Técnica mixta: sobre madera pintada flor en tela en un campo geométrico. Firmado y fechado al dorso. El artista dice de sí mismo: "Es el gran amor por el arte que me empujó a materializarse emociones y visiones coloristas que siempre han vivido en mi imaginación viva Sugerencias que se derivan de diversas influencias pictóricas que he revisitados en una interpretación personal.".

Homenaje a Nannarella 2017

Técnica mixta: sobre base de madera, pinturas escurridas y papel. Firmado y fechado al dorso. El artista dice de sí mismo: "Es el gran amor por el arte que me empujó a materializarse emociones y visiones coloristas que siempre han vivido en mi imaginación viva Sugerencias que se derivan de diversas influencias pictóricas que he revisitados en una interpretación personal.".

Sin título 1998

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. Riccardo Licata, artista ecléctico que se dedicó a la pintura, el grabado, el mosaico, la escultura y también la escenografía, ha pasado por diversas fases de investigación artística y ha sabido combinar la abstracción con una profunda búsqueda de ritmos espaciales marcados por signos. Su escritura gráfico-pictórica, inspirada en la música, ha dado una identidad única a sus obras, que destacan por el hábil uso de símbolos y elementos gráficos. La obra se presenta en un marco.

Sin título 1958

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. La obra, de fuerte impacto emocional, propone un fondo violeta casi monocromático, en el que se intercalan unos trazos en blanco y negro para definir una silueta acurrucada a la izquierda, quizás una forma humana, recogida y cerrada sobre sí misma. Nacido en 1934 en Viareggio, donde aún vive, el pintor y escultor Mario Francesconi es considerado uno de los pocos supervivientes del dadaísmo, que desde finales de la década de 1950 atraviesa las estaciones del arte italiano y europeo en una búsqueda claramente personal de formas y técnicas. A partir de su primera exposición individual en 1959, desarrolla un camino artístico que pasa por diferentes fases, a menudo atribuibles a una pasión por los materiales pobres y reciclados. Su actividad artística se mueve entre las áreas de la pintura, la escultura, el collage y la instalación y bordea las áreas adyacentes de la poesía y la literatura, también gracias a amistades y relaciones profesionales con algunas de las figuras más significativas del mundo intelectual italiano de la segunda mitad. del siglo pasado, de Emilio Villa a Cesare Garboli, de Leonardo Sciascia a Mario Luzi, de Cesare Zavattini a Pier Paolo Pasolini, de Alfonso Gatto a Sandro Penna a Venturino Venturi. La obra se presenta en un marco.

Serigrafía sobre cartón aplicada sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. La serigrafía fue sometida por el autor a un posterior retoque al temple y enmarcada a lápiz. La pintura de Kodra, pintor albanés formado artísticamente en Italia y activo en el área milanesa, consiste en una interpretación personal, de tipo fantástico, del cubismo, con la peculiaridad de que se proponen las descomposiciones típicas del cubismo analítico según un enfoque más que el cubismo sintético. El paisaje marino representado aquí, con veleros navegando cerca de una costa, es parte de una producción posterior, en la que a menudo se evoca el país natal.

Los ojos redondos en el espacio 1968

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. En el reverso está el título, la fecha y una firma adicional para autenticar la obra. Pintor, poeta y ensayista, Virgilio Guidi mantuvo siempre una posición solitaria, crítica y nunca de absoluta adhesión programática a los dictados estéticos de los movimientos y grupos artísticos del siglo XX, aunque siempre fue portador de importantes contribuciones personales a las nuevas investigación pictórica. A partir de la década de 1940, Guidi comenzó a desarrollar sistemáticamente los grandes ciclos, con los que investigó repetidamente un mismo núcleo tema-composición, siguiendo el hilo conductor de todo su arte: la luz. Su pintura favoreció la elección de delicados acordes tonales y la representación de elementos figurativos y paisajísticos a través de ritmos abstractos. Esta obra pertenece a la serie creada en los años 60 de "I Tondi", con el subtítulo "Ojo en el espacio". Se presenta en un marco.

Cerradura indiscreta 2019

Técnica mixta: trabajo en plexiglás con inserciones de tela y acabado al óleo. Firmado y fechado al dorso. El artista dice de sí mismo: "Es el gran amor por el arte que me empujó a materializarse emociones y visiones coloristas que siempre han vivido en mi imaginación viva Sugerencias que se derivan de diversas influencias pictóricas que he revisitados en una interpretación personal.".

Poesía de la naturaleza 1962

Técnica mixta, con aplicaciones de metal sobre lienzo. En el reverso aparece el nombre del artista, con el título y la fecha. James McClintock es un artista estadounidense que se adhirió a la Post Painterly Abstraction, un movimiento que se desarrolló en América en los años 60 y 70 y que reivindicaba fuertemente su descendencia del expresionismo abstracto americano y de la obra de los pintores de acción del grupo de Pollock, cortando toda dependencia de Europa a partir de los años 1940. McClintock también trabajó en Europa, en particular en Florencia donde entre 1961 y 1967 trabajó en colaboración con la Galleria Numero di Fiamma Vigo, un lugar inconformista creado por el galerista argentino para presentar y promover obras innovadoras. La obra se presenta en un marco.